CLOUD NINE, DE GEORGE HARRISON

A pesar de ser un ex Beatle, Harrison se encontraba luchando por recuperar su popularidad en los 80… Luego de un fallido álbum solista y del fracaso de la película donde actuaba Madonna y su banda sonora, Gone Troppo, el “Beatle silencioso” se tomó algunos años para recién en 1987 editar lo que sería su último disco solista hasta su muerte por cáncer en 2001 (Brainwashed, editado en 2002, fue posproducido por su hijo Dhani).
De manera que reclutó como coproductor a su viejo amigo Jeff Lynne y a algunos de sus mejores amigos para tocar (como Elton John, Eric Clapton y Ringo Starr) y editó un disco de esos redondos, sin temas-relleno, con perfectas canciones de melodías agradables y sonido moderno.
Sorprendentemente, el nada frívolo, el espiritual y a veces gruñón George de encontró en la cima de las listas de éxito de todo el mundo con Got my mind set on you, canción obligada de cualquier compilatorio de los 80 y de las pistas de baile de la época. Como adelanto del disco Got my mind… mostraba un sonido nuevo, rockero pero con modernas bases programadas y samplers que lo acercaban muchísimo al público masivo como no le ocurría desde hacía más de diez años. Hoy, es tal vez el segundo en la lista de predilectos por los fans, luego del mítico triple All Things Must Pass, su canto de liberación de los fabulosos cuatro de 1970.
Resaltan dos increíbles baladas: Just for a day y Some place else, dos de las canciones más inspiradas del disco y dos de las mejores baladas de toda su carrera, interpretadas desde el alma en cada segundo de su duración.
Algunos han protestado por la impronta del sonido “Lynne” (ELO); sus infaltables coros masculinos de cámara y sus cuartetos de cuerdas con fuerte presencia de violoncelo, pero la verdad es que el contraste de estos detalles con los elementos tecnológicos del disco es uno de los atractivos del mismo. Destacan en When we was fab, donde George describe con humor pícaro sus aventuras de muchacho en la banda de Liverpool, las noches, los impuestos que les quitaban más de la mitad de lo ganado, y, finalmente y típico de su línea de pensamiento, la futilidad de aquella locura y fiebre de fanatismos. Antes de finalizar la canción con un fade out de instrumentos hindúes podemos escuchar casi oculto un corito similar al del final de I am the walrus…
Las letras del disco tienen que ver con lo espiritual, aunque las referencias son mucho más vedadas que en trabajos anteriores, en los cuales llegaba a acercarse a la postura de maestra regañadora desde la religión y el desprecio al mundo material… El costo de esto, aunque a Harrison no parecía importarle demasiado, era la caída de la venta de sus trabajos. Una letra que lo caracteriza desde su alejamiento cada vez mayor de la vida pública, es la de Devil´s Radio, donde habla con desprecio de la chimentería y el daño que ésta produce sobre las personas en general.
Fuerza, melodías pegadizas, ambientes reposados… todo combina en la más perfecta armonía. “Cuando no estoy contigo no soy ni un hombre, sólo un pez en la arena”, canta George sobre la más tecnófila de las bases. Algunas canciones, otro contraste, están adornadas por potentes secciones de saxos como la reposada introductoria Cloud 9 o la imbatible Wreck of the Hesperus.
Pocas cosas me quedan mencionar… una de ellas está entre las más importantes.
La dulce guitarra de George y su sello al tocarla. ¿Cuál sello?
Antes de completar los dos primerísimos dos segundos de la placa entera, escuchamos tres notas desde su Gretsch. De eso hablo. Nada más. Escúchenlo. Está todo ahí.

Cloud 9
That's What It Takes
Fish on the Sand
Just for Today
This Is Love (George Harrison, Jeff Lynne)
When We Was Fab
Devil's Radio
Someplace Else
Wreck of the Hesperus
Breath Away from Heaven
Got My Mind Set on You" (Rudy Clark)

Todos los temas, salvo los indicados, por George Harrison.

Link de descarga: http://www.megaupload.com/?d=7BNH8JO3

PD: Para los que quieran conocer la primera versión del ultrapop hit de Harrison, Got my mind set on you, lo encontrarán en http://www.youtube.com/watch?v=b8f5K_xTKcg

REBELDIA S.A.

Hace tiempo que el rock and roll fue deglutido y nadie duda que a esta altura se convirtió en una mercancía como cualquier otra. Salvo algunas bandas que intentan nuevas y originales formas de autogestión, organización, expresión y reflexión acerca de la experiencia artística, se ha consolidado una especie de círculo del éxito en el cual para triunfar hacen falta ciertos atributos más bien afines con necesidades del mercado que con cualidades o gracias artísticas.
Es probable que allá por los dorados ´60 y ´70 los jóvenes hayan usado esta expresión artística para desafiar cierto orden establecido, además de algunas normas de convivencia social como cortarse el pelo y casarse rapidito. Muchos de los jóvenes de aquellas generaciones cuestionaban toda una forma de producir basada en la explotación y concentración de la riqueza.
Hoy el Rock and Roll es un producto más, que se compra como tal y se vende como tal. Mientras los pibes creen que encuentran su identidad ensuciándose la ropa, tomando cerveza o vino en una vereda o destrozando teléfonos públicos, músicos-empresarios y empresarios-músicos cuentan billetes. El modelo actual de rebeldía es Pity Álvarez, y aparece una vez por mes en la tapa de Espectáculos de Clarín por comer comida en mal estado, hacer bandera de meterse cualquier falopa encima o “estar en cualquiera”, mientras vende la transmisión de la tan promocionada vuelta de Viejas Locas a Canal 13.
Como todo negocio, siempre se busca minimizar costos para conseguir el producto más rentable posible al venderlo. Esta ecuación en idioma “rebelde”, “transgresor” o “rockero” se puede conseguir de las siguientes maneras:

1) Bajando la remuneración que se paga a los músicos (los rockeros consagrados son más caros, pero tocan poco porque ya son conocidos y los nuevos son más baratos pero con necesidad de ser conocidos).
2) Bajando los gastos de publicidad: cuestión difícil, sobre todo teniendo en cuenta que los que producen estos espectáculos, en general, tienen grandes negocios con las agencias de publicidad.
3) Bajando los gastos en infraestructura y seguridad para los asistentes al recital.

Cuando murieron casi 200 pibes en el recital de Callejeros hace ya casi cuatro años, se buscaron durante mucho tiempo los responsables penales de aquella catástrofe. Recién ahora las conclusiones van cayendo hacia la responsabilidad empresaria que es compartida por los organizadores y los dueños del local.
Un nuevo ejemplo de irresponsabilidad y avaricia empresaria ha generado que un pibe de 17 años termine internado de gravedad. ¿A dónde apuntar? A los miembros descerebrados de las Policía Federal, a los que se los nota siempre felices golpeando jóvenes, y la productora FENIX que, por ganar más dinero, organizó un recital de asco.
A disfrutar de la música pero, antes de rebelarse contra las injusticias, pensar un rato de verdad, y ¡a rebelarse con todo!

CHARLY

Este dibujo lo hice hace diez años... cuando alternaba mis estudios de Lic. en Nutrición con hobbies de todos los colores. ¡Qué años locos!

MIGUEL ABUELO ET NADA

Para la mayoría de los que conocen a Miguel Abuelo por sus clásicos de los 80 junto a los Abuelos de la Nada como “Lunes por la madrugada” o “Himno de mi corazón”, es desconocido el hecho de que aquella banda existió a fines de los 60 e incluía en su formación a Pappo. Claro, se trataba de una banda más cercana al rock duro que al pop que tan famosa la haría…
Para 1973 el siempre inquieto Miguel Abuelo decidió viajar a Europa para alejarse de la música. Fiestas, orgías, viajes lisérgicos con todo tipo de drogas, fueron moneda corriente en la vida de Miguel. En Europa se reencuentra con Crisha Bogdan, quien se convierte en su esposa y en la madre de su único hijo, Gato Azul Peralta. En Francia, Miguel se contacta por medio de amistades con Moshe Naim, productor, y Daniel Sbarra, guitarrista, junto con quienes decide finalmente realizar un disco (Naim insistía a Miguel con que él era la encarnación del rock). Para hacerlo forma una banda llamada Hijos de Nada, la cual no dura debido nuevamente a su irresponsabilidad al faltar a los ensayos, a las sesiones de grabación y producción, etc.
Con cansada ironía, el disco se llamaría Miguel Abuelo Et Nada, en referencia a la banda disuelta antes de la edición de una placa impregnada de la genialidad de aquel muchacho con voz de querubín que terminaría su estadía en Europa varias veces preso.
Abuelo compone las canciones y las interpreta de manera que cuesta reconocerlo: los siete temas ofrecen un abanico de humores, atmósferas ritmos y estilos diferentes. Todo dominado por gran energía y vitalidad imparable en sus 40 minutos. Asombra el agregado de un violoncelo para acompañar furiosamente a la guitarra en riffs pesados. La voz de Miguel sube al quinto cielo en falsetos casi imposibles, mientras las canciones desenvuelven arreglos barrocos, acústicos, eléctricos, cambios de ritmos inesperados, todo una sorpresa tras otra. Las primeras palabras que Miguel canta en todo el disco son: “Porque somos instantes en el mundo…”, y esta sencilla frase nos prepara para lo que nos contará este, uno de los pocos poetas verdaderos del rock local.
En la placa convive la dulzura campestre de El Día largo por Vivir con la violenta dureza de Señor Carnicero. Y no se puede evitar decir cuánto a Jethro Tull suenan todas estas canciones…
Mi personal favorito: El muelle. Un clavicordio y la voz aletargada de Miguel nos posan en el atardecer de los barcos anclados y los marineros que se han retirado a descansar. La belleza se transforma en inquietud, fuerza y dolor hacia el medio y desenlace de la canción, protagonizada por un chiquitísimo Gato Azul que grita desaforadamente con extraños sonidos de fondo.
El disco se editaría recién en 1975 por el sello Moshé Naim en Francia y Bélgica, jamás en Argentina ni en la era del cd. Existe en cd una edición francesa para los fanáticos y curiosos que quieran escuchar un disco votado recientemente entre los mejores 50 del rock argentino. Encontrar un original en Lp es virtualmente imposible.

Link de descarga: http://www.megaupload.com/?d=8KS7OL2C

Tirando piedras al río
El largo día de vivir
Estoy aquí parado, sentado y acostado
El muelle
Señor carnicero
Recala sabido forastero
Octavo Sendero

Voz y guitarra rítmica: Miguel Abuelo
Guitarra eléctrica y coros: Daniel Sbarra
Batería: Daniel Rodríguez
Violoncelo: Carlos Beynis
Bajo: Pinfo Garrigo
Quenas: Juan Dalero

¡¡¡HOLA, INSEGURIDAD!!!

A los que ya temían su completa desaparición de la vida cotidiana de los argentinos decentes, honrados y cristianos…
A los que extrañaban los gritos de señoras de la farándula pidiendo “que se haga algo”, o, con más valentía, atreviéndose a decir qué es lo que desean “que se haga”.
A los que sentían que algo les faltaba cuando el dedo sobre el botón del zapping sólo devolvía información sobre la ley K.
A los que necesitaban reforzar la imagen de los jóvenes divididos en: exitosos y millonarios en la TV ficción y drogones, perdidos, asesinos y peteras en los programas sobre “la realidad”
A los que necesitaban volver a hablar sobre una división más bajita en la edad en la cual meterlos en cana.
A los que ya estaban aburridos de no saber qué joraca es la Ley K, pero saben que es mala y que debe aborrecerse…
A los que no alcanzaba para alegrar su vida que los titulares de las tapas de los diarios comentaran sequías, vaivenes económicos o… la ley K.
A los que por fin podrán sacar sus estampitas para prenderles vela en recuerdo a los policías que otra vez empiezan a caer en servicio a la comunidad…
¡¡¡Volvió la inseguridad!!!
Fresca, descansada, no muy renovada pero siempre entrañable. Nuevas caras delincuentes. Pobres, morochas, despiadadas. Escondidas hace tiempo, descansando para volver con esa frescura tan deliciosa con la que los medios han decidido traérnoslas otra vez.
A disfrutar con alegría este hermoso reencuentro… nuevos temas con mayor utilidad para nuestros amamantadores podrían hacérnosla extrañar otra vez…

¡A LA REALIDAD!

Dos cuadros cuentan una sóla historia cuando un niño decide irse de la clase dentro de su imaginación.

TALES OF MYSTERY AND IMAGINATION - EDGAR ALLAN POE, DE THE ALAN PARSONS PROJECT

Quizás no exista otro caso en la historia de la música de un disco dando tanta fama a un ingeniero de sonido como el de Dark Side of the Moon de Pink Floyd para Alan Parsons. De la noche a la mañana, el joven ingeniero que comenzó sirviendo café como técnico auxiliar en los míticos estudios Abbey Road durante la grabación del último disco (homónimo a los Estudios) de The Beatles. La reputación de mago de las perillas que aquella maravilla le dio, y el haber ganado un Grammy por aquel trabajo le brindó la confianza suficiente para convertirse en productor musical: así fue con TheHollies, Al Stewart, Pilot y Olivia Newton-John entre otros. En este período conoce al compositor y productor Eric Woolfson. Debido a la admiración mutua, Woolfson se convierte en manager de Parsons y deciden trabajar juntos en un álbum experimental basado en los cuentos de Edgar Allan poe, una idea con la que Woolfson soñaba desde hacía tiempo ya.
Este álbum sería el primero de una banda compuesta por una formación casi estable de músicos de estudio, glorias británicas virtualmente anónimas y que nunca saldrían de gira para publicitar los diez subsiguientes lanzamientos de lo que había comenzado como un proyecto experimental. El disco debut, Tales of Mystery and Imagination – Edgar Allan Poe, ya contaba con todos los elementos que contendrían los siguientes lanzamientos: amplio rango de vocalistas, canciones basadas principalmente en teclados con extensos, riquísimos pasajes orquestrales, un tema central que dominaría la música y letra de cada disco y, por supuesto, melodías fuertes por si mismas y una producción inmaculada. Discos de laboratorio producidos por músicos-científicos con matrícula para componer in vitro.
Con el tiempo la discográfica con la que firmarían, Arista, pediría una tendencia más comercial a sus discos cada vez más exitosos. Sin embargo, “…Poe” permanece como el más coherente, interesante y vanguardista de todos.
Tanto la introducción instrumental (A dream within a dream, basado en un poema de Poe) y la primera canción (The Raven, otro poema) están desarrolladas alrededor de una mínima idea instrumental, de pocas notas. El paisaje soñador del instrumental abre el disco y explota con potencia para entrar en The Raven. Una persistente nota única de bajo recuerda al golpe en la puerta de aquel cuervo de mal agüero del que nos habla la letra y la paranoia del protagonista se huele en la voz.
En la tercera canción, The Tell Tale Heart, el cantante interpreta brillantemente la esquizofrenia paranoide del protagonista del relato, quien escucha los latidos del corazón de su víctima asesinada debajo de las tablas del piso donde lo ocultó, y otra vez el bajo actúa: nos recuerda al persistente latido desde debajo de las tablas. Un rock n´roll fuerte que desarrolla excelentemente los delirios del asesino del cuento.
Tres acordes de piano nos introducen a otro asesino: el vengador de The Caske of Amontillado, quien encierra para siempre entre dos paredes de una bodega a quien lo ha humillado. El cantante (John Miles) nos cuenta con una voz melodiosa y suave sobre un dulce fondo de cuerdas su perfecto plan criminal, y la violencia de su horrible acción sólo está interpretada por dos pasajes potentes de cuerdas, coros y vientos que penetran bajo la piel y erizan el vello.
John Miles regresa para un liviano cierre de la primera parte del disco (The System of Dr Tarr & Prof. Feather), una canción que roza el pop y que trata sobre un nuevo tratamiento médico que se basa en el trato amoroso de los pacientes internados en un instituto psiquiátrico. El resultado: los locos toman el lugar, secuestran a los médicos y se hacen pasar por ellos. Brilla un órgano de iglesia como sutil fondo en toda la canción.
Casi toda la segunda parte del disco (cara B en el original) la ocupa la suite The Fall of the House of Usher, donde el tema es el final de una dinastía familiar y la sepultura con vida de una mujer por parte de su hermano, enamorado de ella. Esta suite nos pasea primero por una introducción orquestal por momentos cándida, por momentos lúgubre y tenebrosa. Luego por pasajes de rock ambient con efectos de lluvia incluidos y por una pavana con aires flamencos, para terminar en el derrumbe (¿real? ¿moral?) de la (¿casa? ¿dinastía?) Usher, en una cacofonía de cuerdas, vientos y percusión.
El álbum cierra conmovedoramente con otro poema: To One In Paradise, una canción etérea adornada por un magistralmente arreglado coro de niños. En los últimos segundos puede escucharse parte del poema de Poe narrado por el maestro Orson Wells. Algunas otras narraciones que realizó a la maravilla le habían sido encomendadas para este proyecto, pero recién verían la luz once años más tarde, cuando este disco se editó como CD remasterizado y levemente remezclado, con el agregado mínimo de algunos sintetizadores que el original se había resistido a contener y que, a pesar de eso, recibió la etiqueta de “hi-tech album”.

Link de descarga del original 1976: http://www.torrentreactor.net/torrents/2304963/Alan-Parsons-Tales-of-Mystery-and-Imagination-(1976)-Lame-V0

1) A Dream Within A Dream
2) The Raven
3) The Tell-Tale Heart
4) The Cask Of Amontillado
5) (The System Of) Doctor Tarr And Professor Fether
6) The Fall Of The House Of Usher
a- Prelude
b- Arrival
c - Intermezzo
d - Pavane
e -Fall
7) To One In Paradise

Todos los temas compuestos por A. Parsons – E. Woolfson excepto 1) a por A. Parsons – E. Woolfson – A. Powell.
Orquesta arreglada y conducida por Andrew Powell.

LA LEY DE SERVICIOS DE COMUNICACIÓN

No creo en el periodismo independiente: los trabajadores de la información son empleados de empresas que tienen intereses que nos exceden. Sí creo en la honestidad intelectual, en la opción de negarse a estampar la firma o decir cosas con las que uno no está de acuerdo, en la obligación de nunca autocensurarse y sobre todo, en la obligación de elegir ejercer el oficio en medios con los que tengan cierta afinidad ideológica para poder dormir por las noches sin grandes problemas con la almohada. Por estos días, los grandes medios están haciendo algo que no debe hacerse: hablar mucho de sí mismos. Cada vez que escucho a través del recurso de la publicidad institucional una grosera bajada de línea en boca de sus periodistas estrellas, las empresas periodísticas se llenan la boca con la fórmula libertad de expresión o periodismo independiente y atemorizan al que está mirando o escuchando el producto con amenazas del tipo “este programa puede desaparecer si avanza la ley de control de los medios” me lleno de rabia. Porque se perfectamente que quienes rechazan el proyecto de Servicios de Comunicación Audiovisual (¡no se llama “ley K de medios”, brutos tendenciosos!) sólo están defendiendo su bolsillo. Lo peor del asunto es que no tienen la valentía de decirlo y que cuando tratan el tema lo único que pretenden es convencer a los lectores, televidentes u oyentes de que algo muy malo puede ocurrirles si la ley se aprueba. Estamos asistiendo a un burdo intento de manipulación. Muy, muy antiperiodístico. Se supone que los medios son instrumentos, herramientas, vías de comunicación que intentan reflejar el mundo desde distintas perspectivas. Bajo ningún punto de vista deberían ser usados para defender su existencia como empresas. Si para algo ha servido este debate, es para saber quién es quién en el universo de la comunicación. Y que de lo que se discute es sobre dinero.
Los grandes medios están mintiendo de una forma insultante, y estaría bueno que todos consigamos una versión objetiva y fácil de comprender sobre el proyecto de la nueva ley de Servicios de Comunicación. Fácilmente nos daríamos cuenta de que Volver y TN no van a desaparecer.

LA OLLA DEL ROCK DE LOS 70

(Sólo apreciable en la ampliación) podemos ver en esta composición a los Beatles metiendo discos propios e intrumentos en una gran olla del cual sale el mejor de los aromas: las bandas más vanguardistas y creativas que tuvo el rock. Sí, en los años 70. Semejante herencia no podía desperdiciarse...

SERU GIRAN, DE SERU GIRAN

Homónimo, este es el primer álbum del grupo donde, simplificando al extremo, se unían el pop (Charly García), el blues (David Lebon), el rock (Oscar Moro) y el jazz (Pedro Aznar). Cuatro músicos virtuosos llenos de inspiración y de ideas inéditas que se iban a convertir en los "Beatles argentinos", mediante un sonido único, sin antecedentes y sin sucesores.
Seru Giran fue un álbum muy distinto, muy vanguardista en el rock argentino. El sinfonismo con el que está producido (una orquesta sinfónica lo embellece) y sus arreglos vocales hicieron de sus escasos 35 minutos de duración una experiencia musical parecido a nada previo en el rock local.... Tanto que nadie lo quiso aprehender. A los cuatro músicos les costó mucho trabajo de publicidad (autogestionada, claro) para poder tener una buena recepción en un público que reclamaba los temas de Sui Generis. De hecho, casi se disuelven tras esta primera placa.
EITI LEDA es una composición larga plasmada con gran belleza y fuerza. Da crédito del genio de García en mas de un sentido, baste decir que la orgullosa parte final de la composición la escribió para un proyecto de opera llamada Theo durante horas libres de su escuela secundaria... ¡cuando tenia 17 años! A través de la canción, cada uno de los músicos se presenta interpretando solos en bella coherencia con la melodía que dan una muestra del virtuosismo del que eran dueños. "Quiero quemar de a poco las velas de los barcos anclados en mares helados" es una de las mas hermosas imágenes de la que nos habla la canción. Pensada bajo el nombre de "Nena" para Sui Generis, recién se estreno en este disco como el tema que lo abre. Error: el mas poderoso y hermoso tema del disco debería haber estado al final o anteúltimo, aunque su efecto hace que el interés por lo que sigue sea grande. Y lo que sigue es grande también: EL MENDIGO EN EL ANDEN es otra composición basada en piano, con una de las mas interesantes metáforas de Charly: "yo seré siempre el mendigo en el anden de un pueblo fantasma donde nunca pasa el tren". Contiene juegos de voces que se disparan hacia el cielo de los falsettos en la parte final de la canción... lastima que por eso fueron tildados de homosexuales por algunos, incluidos periodistas musicales.
SEPARATA predice las vicisitudes de Charly unos años después sobre no asistir a sus propios conciertos. Juguetea con los recursos de su sintetizador de forma bella e ingeniosa, y es Charly el único intérprete en el tema. La cara A cierra con AUTOS, JETS, AVIONES, BARCOS, influida fuertemente por los ritmos de Brasil, país donde la banda se gestó (vacaciones de Charly y Cebón por separado, feliz encuentro en el país del carnaval) y donde el álbum se grabo. "Se esta yendo todo el mundo" no es una metáfora: para 1978 el régimen militar de Videla era una horrible realidad y el exilio la solución para los aterrados y perseguidos. Ritmo alegre de carnaval para una cuestión tan triste.
Llego la hora de dar vuelta el disco: en la cara B, los integrantes dispuestos casi en ronda en una escalera de caracol que gira hipnóticamente en la etiqueta del vinilo. SERU GIRAN es hermana de Eiti Leda en muchos sentidos, aunque carece un poco de su belleza lírica y melódica, a excepción de la sublime introducción con flautas, oboes y unas pocas notas "piazzolianas" de moog. La letra es más que extraña, escrita con palabras en un idioma inventado por García y Lebon. Pero a no preocuparse: el sobre original del disco contiene un collage de fotos que orienta hacia el significado de la letra del tema.
SEMINARE es el "hit" del disco. Una balada cuya letra remite a la problemática amorosa del muchacho de barrio, y que identificaba al oyente en forma asombrosa y conmovedora, un arte que García conocía muy bien. "Esas motos que van a mil solo el viento te harán sentir" se convirtió en un slogan, y el solo triunfal de moog en su parte media se convertiría en una de las melodías mas famosas del rock argentino. "La calle de la sensación" y otras partes de la letra provienen de la opera Theo también.
El álbum cierra con dos piezas poderosas: en VOY A MIL Lebon juega a ser Pescado Rabioso y García juega a La Maquina de Hacer Pájaros. Otra vez David en voces, disparado hacia arriba a veces, cantando las frustraciones de Charly con Billy Bond, el productor de este mismo disco y con el cual Charly siempre mantuvo una acida relación. "Mi productor me da veneno, estoy gastando mi dinero en la rata". Pedro Aznar cierra con un saltarín solo de bajo, y, al terminar, la guitarra y el sintetizador la unen con COSMIGONON, una hipnotica pieza futurista (Howe y Wakeman hubieran deseado tocarla para Yes) interpretada mediante un riff de guitarra eléctrica y efectos sonoros de sintetizadores que encajan perfectamente entre si y con la guitarra.
Majestuoso (a pesar de lo opaco de su sonido, aún para la época) Digno de escuchar una y otra vez. Para los desprevenidos: hay ediciones en CD donde los temas vienen mezclados, lo cual destroza el álbum original. El orden correcto es:
EITI LEDA
EL MENDIGO EN EL ANDEN
SEPARATA
AUTOS JETS AVIONES BARCOS
SERU GIRAN
SEMINARE
VOY A MIL
COSMIGONON

... Y ENCIMA LOS PREMIAN

Desde la última entrega de los premios Martin Fierro hace ya poco más de una semana, podría decir que no hubo este año nada más argentino, nada más representativo de la opinión pública que este gauchito con guitarra que tanto añoran aferrar los artistas de la radio y TV local.
Para mi es imposible separar la labor artística de alguien de su línea de pensamiento, de su ideología, dado que la primera, en mayor o menor medida, de una u otra forma, es un resultado de la segunda.
Tampoco creo en el castigo de no premiar a quien exprese opiniones discriminatorias o en contra de los derechos humanos, pero hagamos un ejercicio rapidito, así como por arriba a algunos de los premios entregados para ver que por ahí no es tan fácil dejar los sentimientos de lado:
Dijo la diva de los teléfonos: “Terminen con los derechos humanos y esa estupideces. Basta con los menores; el que mata tiene que morir. Estamos en un estado de indefensión espantoso. Como púeblo no podemos seguir tan mansos y seguir diciendo 'otro policía más muerto”. Tenemos que cortarla. En otros países han podido hacerlo. ¿Qué tienen miedo, de ser impopulares? El que mata tiene que morir”.
Recibió el Premio Martin Fierro Mejor Programa de Entretenimientos.
Dijo el cantante de la garganta con arena: “Hay que agarrar los fierros. ¿Vos sos cristiano y no querés la pena de muerte y encima te matan un hijo? La verdad que no entiendo. A mí, si me matan un hijo, mato. La solución es simple: agarrás un par de ladrillos, armás una pared y que empiecen a desfilar. Vas a ver cómo al cuarto que matás los demás no joden más. (…) Todos viven con miedo. La gente está encerrada en sus casas y los asesinos sueltos. ¿Dónde vivimos? Hay que hacer algo. (…) Pero sin duda que no matan por hambre. Los que se mueren de hambre y no son mal paridos no salen a matar”
Recibió el Premio Martín Fierro Tema Música Original “Por Amor A Vos”
Dijo la Señora de los almuerzos: “¿A quién le interesa lo que pasa en Honduras?”, para agregar otro matiz, semanas después: “Vi a un pibe parado, morochito él, y dije: “ese es chorro” (ríe) (…) Yo se que no hay que prejuzgar, pero…”
Recibió el Premio Martín Fierro Mejor Labor Conduccion Femenina, y Martin Fierro de Platino.
Dijo “el Cabezón”: “Matan por el pancho y la Coca y nadie hace nada. Si asesinaran a un ser querido mío también pediría la pena de muerte. Los políticos parecen idiotas los gobernantes están traicionando a la sociedad que los votó, mirando a otro lado. La entiendo perfectamente a Susana; si me mataran un ser querido también pediría la pena de muerte, y yo también estoy cansado de los derechos humanos a los presos".
Recibió el Premio Martín Fierro a la Mejor Labor Conduccion Masculina.
Fuera de los Martín Fierro, pero relacionado con lo previo, cabe recordar otra manifestación, para cerrar.
Dijo El Flaco, la de la novia con pechos de miel: “Una parte que es justa dice: “péguenle un tiro en la cabeza a todos estos hijos de puta”. Y otra parte dice, ‘bueno pero yo no lo hago, lo hace un organismo’. Y una vez más, como en la historia, todos quieren castigar pero no se quieren manchar con sangre. Este es un dilema que vivo últimamente (…) Para mi las expresiones de ‘maten de un tiro a estos guachos’ es genuina. Pero pienso que yo no iría a matarlos, que lo haga otro por las dudas. Si me tocara de cerca no sé qué haría. Hay una parte en la que realmente habría que aplicar una justicia de los extremos políticos: te cortan los brazos, te dan con un hacha donde sea, te linchan en público, no sé. Es talibán matar así, por matar, genera un fundamentalismo. La decisión de decir ´aprobemos la pena de muerte´ es un fundamentalismo, y uno no quiere caer en eso, quiere algo humanístico".
"Te sube la tanada y vos querés justicia por mano propia. Es algo adentro mío que yo, te digo honestamente, no estoy a favor de la pena de muerte, pero a alguna gente habría que pegarle un tiro en la cabeza, eso no me lo saca nadie de la cabeza ".
Recibió el Premio Gardel de Oro a la Trayectoria Artística.
Bueno, al menos los méritos artísticos de éste último premio son menos cuestionables.

SHIP OF DREAMS

Desde los once años que estoy hipnotizado por la historia del Titanic y su corta vida, de modo que cuando se estrenó en 1998 la película (definitiva) el entusiasmo de verlo recreado con tamaña fidelidad me llevó a hacer esta maqueta (llevó meses de una paciencia que estaba seguroi que no tenía). ¡Tiene luces dentro y todo! No los invito a subir porque sufre un accidente en su único viaje...

DYNAMO, DE SODA STEREO

"Es el disco con picos de emoción más altos. Teníamos la sensación de estar haciendo algo musicalmente grande, y que nos satisfacía completamente.", Gustavo Cerati.
A los cientos de miles de fans latinoamericanos que deliraron en 1990-1991 con el álbum canción animal y su gira correspondiente, a los tantos más que no dejaron de tararear por meses éxitos imparables como De Música Ligera o Millón de Años Luz y a los cientos de miles de (¿curiosos, fanáticos’) que taparon la 9 de julio para verlos gratis, les costó “una eternidad” esperar hasta los últimos días del año 1992, cuando salió a la venta el sucesor del último gran disco de los consagradísimos Soda Stereo.
La onda alternativa que aún no conocíamos, los sonidos programados, el cambio de sello discográfico y las pocas ganas de promocionar el álbum por parte de tanto la banda como el sello hicieron de Dynamo una placa desilusionante, aunque pocos eran lo suficientemente permeables como para escuchar uno de los discos de Soda Stereo con mejor calidad en cuanto a composición y sonido, además de haber sido vital para el surgimiento de una nueva camada de artistas de aquella movida nueva “sónica” que la banda impulsó, como Babasónicos y Los Brujos, por nombrar un par.
Muchos arquearon una ceja al escuchar el resultado: nubes armónicas de guitarras eléctricas, efectos de pedaleras primer mundo (cortesía del recién estrenado 1 a 1 del Ministro de Economía Cavallo), secuencers, samplers, sintes de última generación, todo bajo el comando del inefable cerebro de Daniel Mellero como coproductor (una vez más).
La grabación de éste disco vio los roces de los tres Soda Stereo por primera vez con intensidad. Les llevaría a tomarse dos años para volver a trabajar juntos, para finalmente separarse. La gira fue cancelada antes de tiempo. Como un autoboicot inconsciente, cambian de sello de Sony Music a BMG (hoy fusionadas). Resultado: la vieja compañía no quería publicitar un disco de un artista que ya no le pertenecía, y la nueva compañía no quería publicitar un disco publicado por otra compañía. Dan la primera presentación del disco inaugurando la TV stereo en canal 13 e inician una gira que interrumpen misteriosamente. Dos años pasarían sin noticias de Soda como grupo. Cerati trabajaría solista al año siguiente.
“Queríamos destruir Canción Animal, como sumergirlo bajo el agua. Y, a nivel sonoro, quisimos producir eso, las canciones tenían más que ver con algo hipnótico. La idea era remixarlo, mezclarlo con algo más dance e incluir algo más trance en nuestra música. Sé que quienes adoptaron ese disco lo quieren y a mí me pasa lo mismo.”, explicó Cerati siempre metafórico, sobre el disco que no pisó sobre seguro copiando el sonido de su anterior exitazo.
Fuera de todas las polémicas nombradas que tiñeron el estreno del álbum, éste no tiene una sola canción débil. Secuencia Inicial abre el disco con el sonido de un avión-guitarra que le da vuelo ya de entrada al disco. Primavera 0, con su batería implacable y sus crudas guitarras es rock rugiente al estilo De Música Ligera. Brillan la balada Fue, las hipnóticas Nuestra Fe, Sweet Sahumerio y la casi-letanía religiosa En Remolinos. Luna Roja habla del SIDA por primera vez en una canción de rock local. Se da la curiosidad, además, de Cerati y Bosio intercambiando instrumentos: Gustavo al bajo y Zeta en las guitarras de la secuenciada Camaleón. Sin embargo, tal vez la mejor canción grabada en las sesiones del disco y no incluida, es Zona de Promesas, incluida al año siguiente en un recopilatorio de remixes oficial. Soda Stereo tenía por costumbre incluir un tema nuevo en estas compilaciones tal vez por motivo de interesar a un público mayor, aunque siempre la canción nueva no era ninguna “joya perdida”. Zona de Promesas fue LA canción de Dynamo… pero no quedó en Dynamo.
Jeans rotos, remeras con motivos religiosos y étnicos, un Zeta rapado con gorrita, colores chillones… unos nuevos Soda Stereo habían llegado… para irse temprano a descansar.

Secuencia Inicial (3:27) (Cerati-Bosio)
Toma La Ruta (4:31) (Cerati)
En Remolinos (4:38) (Cerati)
Primavera 0 (3:42) (Cerati)
Camaleón (4:43) (Cerati-Melero-Bosio)
Luna Roja (5:31) (Cerati-Bosio)
Sweet Sahumerio (6:05) (Cerati-Bosio-Melero-Ficicchia)
Ameba (4:16) (Cerati-Melero)
Nuestra Fe (6:37) (Letra:Cerati/Música:Cerati-Melero)
Claroscuro (4:15) (Cerati-Melero-Bosio)
Fue (3:52) (Cerati)
Texturas (4:44) (Cerati)

INGREDIENTES DEL TEATRO INFANTIL ORTODOXO

Vacaciones de invierno, día del niño...ni la gripe A frenó la proliferación cual virus de los espectáculos más oportunistas y menos imaginativos para niños.
He aquí lo que considero ingredientes necesarios para lograr la cara azorada de un niño:

- ser psicopedagoga, maestra jardinera o de primaria. Con eso ya se está capacitado para escribir una obra... o incluso actuar.
- canciones infantiles. Que casi siempre equivale a decir melodías chiquititas con letras pavitas. La poesía, los contenidos meditados o didácticos o la fantasía elaborada es para los adultos.
- tres cubos de diferentes colores. Que sirvan para cualquier cosa, demostrando con esto una asombrosa capacidad imaginativa y práctica.
- un muñeco humanizado y tonto. Con una persona que adentro sienta mucho calor y varios padres afuera que sientan calor ajeno.
- explicaciones verbales de lo que ocurre. Ejemplo: "¡Uy, cómo se enoja Pirulo!", mientras ocurre la acción (ocurre que Pirulo se enoja mucho).
- apelar a personajes famosos y mezclarlos sin pudor. Donald, Batman, Ben 10, Blancanieves y Maradona en la misma escena.
- imprimir a la obra un "gran ritmo físico". o sea, saltar, correr, gritar, gesticular mucho todo el tiempo.
- convencerse de que los chicos todo lo perdonan. Una escenografía berreta, una historia que no para de hace agua, unos casi actores.

LA BOTICA ENMARCADA

Hormona tiroidea, suplementos de hierro, de calcio, progesterona, antiinflamatorios... todos colores y formas distintas en un cuadro un tanto psicodélico... que lo cura todo.

MCCARTNEY DE PAUL MCCARTNEY

La noticia de 1970 no fue la extensión de la guerra en Asia por EEUU ni la elección del marxista Allende como presidente en Chile ni las complicaciones del mítico Apollo XIII. Los Beatles se disuelven luego de que Paul McCartney anunciara su salida del grupo "por razones financieras, personales y musicales". Una decisión que ya Lennon había tomado hacía meses, y quien jamás perdonaría a Paul haberle quitado el lujo de "disolver oficialmente" a The Beatles, anunciando su partida de la manera más altanera.McCartney estaba ansioso por editar las grabaciones que había preparado la temporada previa en su granja de Escocia durante su retirada post-edición del álbum Abbey Road con su esposa Linda, la recién nacida Mary, la hija de Linda producto de su previo matrimonio, Heather y la perra Martha, inmortalizada en el álbum blanco (este retiro tendría un morboso efecto colateral que sería el fuerte rumor de que en realidad Paul había muerto).Paul compone las canciones, toca todos los instrumentos y es su propio técnico manejando una grabadora de 4 pistas. La única ayuda que recibe es de Linda, en armonías vocales (le tomaría algunos años a la entrañable Linda cantar una línea melódica entera sin desafinar). Lo curioso del asunto es que Paul ofrece como producto terminado... un producto que parece sin terminar. Y eso es lo mejor de su primer álbum solista: parece una colección de demos. Cancioncitas que duran segundos e improvisaciones instrumentales se codean con las clásicas canciones redondas de Paul. El disco parece tocado en vivo, hay mínima mezcla (fuera de la obvia mezcla de grabar los instrumentos de a turnos) e incluso de fondo se pueden escuchar a veces puertas que se abren y gritos de niños jugando. Este despoje puede ser producto del ego de Paul en su momento más inflamado (soy un ex Beatle, tal vez su ex-lider, lo que produzca lo venderé), pero lo cierto es que escuchar este disco da la sensación de asistir a un ensayo, a una pasada de lista de canciones. Ese ego tal vez lo haya llevado a querer demostrar musicalmente que "no necesitaba de los otros tres", y por eso lo escuchamos con largos, inventivos, complejos solos de guitarra, bajos que cantan melodías dignas de ser escuchadas por derecho propio, baterías pirotécnicas y cruzadas y hasta veloces fraseos de piano. Hay incluso curiosidades como el uso de un ¡órgano de vidrio!Si bien el disco contiene canciones bellísimas como Every Night, Junk (una de sus sobras de la época Beatle) o la gigantesca Maybe I´m Amazed, el disco en general es una fotografía de todo Paul, no sólo en cuanto al collage de fotos que ilustra su vida familiar en el LP o el hecho de haberlo hecho él solito, sino porque prefigura su entera producción musical en el futuro: canciones grandiosas, perfectas que se codean con garabatos de buenas intenciones y pavadas influidas tanto por la marihuana como su obsesión con la vida familiar suburbana.El disco fue n.1 en EEUU y n.2 en Gran Bretaña. Un éxito a pesar de la crueldad insólita de los críticos musicales que con sus palabras habrían destruido en días la carrera de un artista menor, a pesar también de los cientos de jóvenes que rompían los pósters con su imagen y lo ubicaban junto con Yoko como el asesino de The Beatles, y a pesar de la inmensa pedantería que lo llevó a incluir, en la edición para los periodistas musicales, un extenso reportaje falso, donde se contestaba a si mismo preguntas que dejaban en claro que las aventuras mediáticas de John y Yoko lo avergonzaban, que sus ex compañeros coartaban su producción y que no tenía la menor intención de volver a trabajar con ellos ni con George Martin.

1) The lovely linda

2) That would be something

3) Valentine day

4) Every night

5) Hot as sun / Glasses

6) Junk

7) Man we was lonely

8) Oo you

9) Momma Miss America

10) Teddy Boy

11) Singalong junk

12) Maybe I´m amazed

13) Kreen Akrore

Link para descarga: http://extratorrent.com/torrent/1382026/Paul+McCartney+-+McCartney+(1970).html

GRIPE Y OTRAS TANTAS PAVADAS

Llega el invierno, las narices frías y congestionadas, la tos y la batería de medicamentos: antigripales, antitusivos, descongestivos, antifebriles, espectorantes, analgésicos... la lista es larga cada año que pasa, y aún en el siglo 21 no terminamos de entender que... el resfrío y la gripe no se cura. Puede prevenirse con precaución o vacunación, pero no curarse.

Cada año caemos de vuelta en una mentira que tiene su poder en la ilusión que se crea porque resfrío y gripe son cuadros que evolucionan muy rápido y desaparecen (a menos que se complique con otras patologías) y por eso da la sensación de que nosotros lo curamos gracias a nuestra magia automedicante, el consejo de la abuela o el yuyo mágico.

Té, mucho té con limón, mucho limón. La vitamina C, que ayudaría a reducir la secreción nasal, se detruye con el calor. Del té, por ejemplo.

Miel. Suavizante de una garganta agredida por la tos... pero curativa de nada en este caso.

Antifebriles, analgésicos, estimulantes. Aquí si entramos en otro terreno.

La idea implantada por la industria farmacológica de que toda enfermedad tiene un remedio creó el hábito de tomar una droga química para cada síntoma.

La elevación de la temperatura corporal inhibe el crecimiento y la reproducción de organismos infecciosos y es el protagonista principal de una cascada de reacciones inmunitarias celulares. A los virus, que sobreviven y se reproducen cómodamente en ambientes fríos, se les complica la vida cuando la temperatura de la sangre alcanza los 39 grados; su fantástica capacidad de replicación se hace lenta hasta quedar desactivados. La fiebre no hace daño. La fiebre cura.

Los antigripales son otra invención farmacológica de uso corriente. Combinan antitérmicos con drogas descongestivas o antialérgicas que coartan la fiebre, la congestión y el malestar general. El paciente hace su vida normal como si no estuviera enfermo. No sólo expone a otras personas al contagio, sino que además está más enfermo que antes porque su organismo sigue a merced del virus, pero ahora está maniatado y amordazado. Su ejército de células defensivas duerme tranquilo en los cuarteles. No corre al sitio de la infección porque la alarma está desactivada. Pido disculpas por la metáfora castrense, pero por dentro las cosas funcionan exactamente así. Una perversión suplementaria son las preparaciones que la publicidad y los envases engañosos venden como “té” para que hasta los no creyentes se traten con paracetamol y fenilefrina cuando creen estar tomando el tecito reconfortante de la abuela.

Una de las oportunidades más interesantes que nos presenta esta crisis es la de regular el uso de los antibióticos, drogas que han cambiado la relación histórica de los humanos con las infecciones por su eficacia contra las bacterias.
A los virus, en cambio, un antibiótico los hace reír a carcajadas. La diferencia formal puede medirse en micromicrones, pero desde el punto de vista biológico es una inmensidad. Comparar un virus con una bacteria es como comparar una moto con una mandarina. Los virus no entran en la categoría de seres vivos como el resto de los gérmenes.

Sin embargo, todos los argentinos conocemos a alguien que cuando tiene un dolor de garganta o una gripe va a la farmacia, elige al azar un antibiótico y lo toma como le parece. Esa persona está poniendo en peligro su propia inmunidad y por un efecto de ruleta rusa darwiniana, la de todo el género humano. Los pacientes no tienen la obligación de saber que los antibióticos sólo actúan sobre las bacterias (tampoco todos sobre todas ellas) y que su mal uso puede crear un microorganismo resistente a todos los antibióticos conocidos. Los pacientes saben lo que la publicidad y sus médicos les enseñan. Y demasiados médicos recetan antibióticos cuando son innecesarios. Los testimonios de personas infectadas por el nuevo virus confirman conductas médicas injustificables: “Le dieron un antibiótico, después otro y otro, hasta que al fin se dieron cuenta de que lo que tenía era viral”. La única explicación posible para esto la dio un joven clínico en un ateneo:
–Si viene con una gripe y no le receto el antibiótico más caro, ese paciente cree que no sé nada y no vuelve más.

Hace poco vino una paciente quien con suficiencia y altanería me exigió que "le baje" diez kilos para un cumpleaños de 15 que tenía en tres semanas. Que ella ya sabía que tenía que hacer, pero que necesitaba mi control. Y que le diera la más cruel de las dietas.

Solicité la devolución del dinero que pagó por la consulta y le recomendé a un ¿dietista? cuya publicidad sobre efectos milagrosos cuelga de un pasacalles del barrio.

Bueno, tal vez cuando era un pollo recién recibido habría cumplido con sus delirios.

DAME FUEGO

Mis amigos olvidaban muy seguido sus encendedores en casa al venir de visita, de manera que al juntar algunos se me ocurrió comprar los restantes para armar una escala cromática. Un cuadro inflamable.

THE VISITORS DE ABBA

Los que en los últimos días de 1981 corrieron a las disquerías (¿se acuerdan de esa palabra?) a comprar el nuevo álbum de ABBA se llevaron una gran sorpresa. La banda de las dos parejas con eternas sonrisas ahora se mostraban en las tapas distantes entre sí, en un lúgubre atelier y muy serios, cansados. Las letras de rima fácil y felicidad-de-tortas-de-chocolate se habían convertido en reflexiones profundas con letras crípticas. Las canciones sencillas, breves, siempre arriba, optimistas, pegadizas e imposibles de olvidar habían dejado paso a largas obras donde se desarrollaban ambientes ominosos, piezas de estilo musical-rock y largos pasajes instrumentales.
Aún así, The Visitors fue un éxito n.1 en el mundo, aunque su duración en los rankigs fue mas breve. Este cambio de ABBA se veía venir desde hacía un par de años, pero The Visitors lo consolidó de manera contundente. De pronto, ABBA era reverenciado por todos los críticos que los habían defenestrado.
Las letras, casi todas solemnes, todas maduras y sobre todo variadísimas, hablan por ejemplo de resignadas separaciones amorosas, asuntos maduros como la tristeza egoísta al ver crecer a un hijo que se hace cada día más independiente de su padre, la ignorancia del ciudadano común ante las decisiones que toman los más altos mandos mundiales y que afectarán nuestra vida diaria, la paranoia de los disidentes soviéticos ante la posibilidad de que vayan por ellos, y hasta una divertida historia sobre un aviso de búsqueda de amor en un clasificado que termina en un triángulo ¿amoroso?
La música es la mejor que ABBA había plasmado en un disco. Se toman el tiempo que necesitan para elaborar sus ideas, fuera de los tiranos 3 minutos del pop, las armonías musicales (en las que predomina el mítico sinte Yamaha GX1) son riquísimas y los arreglos corales son más sofisticados que nunca, aunque Agnetha y Frida canten únicamente solistas en las canciones; por primer un disco de ABBA sin una sóla canción a dúo. Una melodía cantada en compás de vals disfrazado a un 4/4 por la batería, inquietantes ambientes espaciales, una voz solista que canta casi sola sobre el tic tac de un reloj, una pieza cuasi-teatral de casi 6 minutos, y el sonido más brillante que nunca, estreno de la técnica digital de grabación por un artista de pop rock. De hecho, The Visitors cuenta con el honor de ser el primer CD editado en la historia de la música, en 1982.
Lo plasmado era el obvio resultado de casi diez años de exito, gloria, crisis, presiones, amor y divorcios. Agotados, los mismos ABBA no se encargarían de promocionar este disco. En cuestión de meses, y tras tres singles más y un disco recopilación, abrieron sus caminos en la cumbre de su calidad como artistas.
Lista de temas:
1) The visitors (crackin´ up)
2) Head over heels
3) When all is said and done
4) Soldiers
5) I let the music speak
6) One of us
7) Two for the price of one
8) Slipping through my fingers
9) Like an angel passing through my room
Todos los temas de Benny Andersson y Björn Ulvaeus.

Enlace para descargar el disco:
http://www.mininova.org/tor/1271138

UNA SEÑORA CON TODAS LAS LETRAS

Se levanta temprano y vigila a la mucama para ver si le roba algo.Toma el colectivo, peléandose con el colectivero por algo. Está convencida de que siempre un asiento es de ella y baja en Canning (así le sigue diciendo a Scalabrini Ortiz). Va al banco primero para retirar dinero y se pelea con la cajera. Hace las compras en el supermercado chino, aunque se la pasa hablando pestes de ellos cuando se aburre de hablar mal de los inmigrantes de países limítrofes (como por ejemplo Salta). Se queja en la cola de la caja. Se pelea con la cajera.
Compra el diario La Nación, el cual leerá tooooooodo todito todito, y se detiene uno minutos en solidaridad a una marcha en defensa de los niño por nacer.
Llega a su casa y habla pestes con sus vecinas con las cuales serán puras sonrisas en las reuniones de consorcio. Se acomoda con el diario, pero antes llama a su hija, que estudia "diseño..." en la UP. ¡Si la viera su finadito marido..! (Aquel que fue coronel en la marina, socio del Rotary Club y le metía los cuernos hasta el aburrimiento). Enciende la TV, pone a la Chiqui Legrand, almuerza con ella, lee el diario a la tarde y se prepara para llamar a sus nietos y recriminarles que no la van a visitar, además de no perder la oportunidad para contar de sus enfermedades. Se quedará dormida en breve en su sillón, y un hilito de baba caerá de sus fauces.

EL ARBOLITO DEL ROCK ARGENTINO

Una maceta hecha con un viejo simple 45 rpm, "tierra" que en realidad es cinta de casette, y las hojas del árbol que son las tapas de mis discos favoritos de rock argentino. Artistas incluidos: Soda Stereo, Spinetta, Almendra, Pescado Rabioso, Invisible, Charly García, Sui Generis, Seru Giran, La Máquina de hacer Pájaros, Vox Dei, Pappo´s Blues, Los Piojos, Bersuit Bergarabat, Porsuigieco, Lito Nebbia, Miguel Abuelo, Juana Molina, Lito Vitale, Fito Páez, Gustavo Cerati, J C Baglietto, Pedro Aznar.

BRAIN SALAD SURGERY, LA OBRA DEFINITIVA DE EMERSON, LAKE AND PALMER

Keith Emerson, un mago de los teclados. Greg Lake, un mago de la guitarra, bajo y voz, Carl Palmer, un mago de la batería. Virtuosos los tres, músicos con talentos insólitos en el rock. Unieron rock y música clásica y llevaron al límite sus capacides y excentricidades. Crearon alguno de lo álbumes más fascinantes de la historia del rock y llevaron todo tan al límite en sus obras y sus conciertos (pianos de cola que giraban en el aire, orquestas como cointérpretes, cañones del siglo XVIII disparados desde el escenario) que fueron sepultados deliberadamente por crítica y público por igual como pretenciosos y vanidosos, convirtiéndose n grandes olvidados.
Sin embargo están allí sus siempre contundentes discos para seguir descubriendo, más allá de su sonido psicodélico pasado de moda, lo realmente grandes, exquisitos y potentes que eran. Brain Salad Surgery (1973) significó la cumbre de su trabajo como trío. Todo estaba en su perfecto lugar, cada energía canalizada al trabajo grupal, y la inspiración en su más admirable y disfrutable momento.
Su portada exhibía una siniestra ilustración donde vemos una aparente trepanación. En el arte original se abría como una ventana de dos hojas y dejaba ver una mujer de misteriosa e inquietante belleza. La obra es de H.R. Giger, quien unos años más tarde se haría más famoso por ser el creador de la criatura de la película Alien.


En 1973, un disco con la calidad de Brain Salad Surgery podía llegar al puesto 2 de las listas británicas y al 11 de EEUU.

1) JERUSALEM. ¡Versión power de un himno cristiano anglosajón! Emerson hacía años que tenía en mente versionar este poema de William Blake adaptado por Hubert Parry. Destaca la majestuosidad del órgano de Emerson.
2) TOCCATA. Bizarra adaptación del 4to movimiento del 1er concierto para piano del argentino Alberto Ginastera, el cual contó con la entusiasta aprobación del mismísimo compositor para orgullo emocionado de Keith. "¡Diabólico! Nunca nadie capturó mi música de esa forma... ¡Es la forma en la que la imagino yo mismo!", exclamó Ginastera. Destaca en esta pieza la labor de Carl Palmer en percusiones electrónicas. El despliegue de timbres varios de teclados por Emerson hacen de esta pieza una obra clásica.
3) STILL... YOU TURN ME ON. Una de las grandes contribuciones de Greg Lake a la banda fue la reposada sencillez de sus baladas acústicas, momentos muy necesarios de reposo tras la furiosa contundencia de la música de la banda. Tal vez la mejor balada de este músico, cantada con la más clara, dulce y potente voz. Destaca su uso del pedal wah wah en el estribillo y el bello fraseo de sintetizador que canta detrás suyo en los versos.
4) BENNY THE BOUNCER. ELP solía incluir una canción "en broma" en sus discos... Repudiada casi unánimemente por lo fans, la exclusión de este tema de "saloon" habría permitido que la "!ra Impresión" de la suite Karn Evil 9 que seguía, hubiera entrado completa en la cara A original, y no dividida como quedó por la tiranía de los "20 min por cara" de la era del LP.
5) KARN EVIL 9 Comienza como una fiesta, prosigue tenebrosamente, termina como un himno grandioso. Los 30 minutos de esta fabulosa obra están en el lugar reservado para las grandes suites del rock progresivo como Close to the Edge (Yes) o Supper´s ready (Genesis). Es una suite cuya letra cuenta una historia futurista, al estilo "2001, odisea en el espacio". La lucha entre el ser humano y la máquina y el miedo de que ésta última tome un día el control del primero. Emerson despliega no sólo vertiginosos solos sino también crea armonías bellísimas y emplea al máximo las capacidades de sus teclados electrónicos. Lake luce su voz en distintos matices y despliega solos de guitarra que recuerdan que no sólo sabía crear baladas acústicas bellas. Palmer adorna todo con su más creativa pirotécnia y así los tres desarrollan una historia contada con exhuberancia de arreglos, creatividad y originalidad musical asombrosa.
A continuación, el link para aquellos que quieran descargar el disco:
http://www.monova.org/details/2127174/EMERSON%2C%20LAKE%20AND%20PALMER%20-%20BRAIN%20SALAD%20SURGERY%20%5BTNTVILLAGE.ORG%5D.html

Y un video muy interesante de la época donde vemos al trío en un ensayo. Es importante apreciar la meticulosidad de estudio de los complicadísimos arreglos.

Parte 1: http://www.youtube.com/watch?v=p3zOB-nP5nk
Parte 2: http://www.youtube.com/watch?v=UEPeRBXBDEU

LA TV HIJA DE PUTA

Flaca, muy flaca. Su ojo izquierdo mira hacia su nariz permanentemente. Canta increíblemente mal. Habla más rápido de lo que piensa, probablemente síntoma de navegar en algún lejano mundo al que la llevó algun desorden psiquiátrico. Un cóctel explosivo si agregamos que estamos hablando de una travesti. Zulma Lobato se convirtió de la noche a la mañana en el objeto de las más crueles de las burlas en los programas televisivos donde aparece. A pedido de una imbécil panelista que cobra su sueldo por fingir que contiene su risa, ella canta resistiré destruyendo toda afinación posible. Como un símbolo. Ella hoy es el símbolo del lugar donde debe estar situado el gay en la Tv argentina: degradado, haciendo el ridículo.
El imbécil medio argentino encontró alguien nuevo de quien reírse en las charlas informales del trabajo, la escuela, las reuniones informales... Aunque ella haya aparecido originalmente en la TV para denunciar el acoso policial, la represión, la violencia que sufren cotidianamente las travestis a las cuales las sociedad las ubicó en el único sitio laboral que decidieron se merecen: la prostitución. "Soy como el junco que se dobla pero siempre sigue en pie", cantó a pedido de la tarada que ríe cómplice con los televidentes que ayudan a marcar la línea divisoria entre los que encajan y los que se salen del Guión.
Unos minutos de burlas en la tele y el escarnio público desde la vida social cotidiana no es un gran precio a pagar para Nélida Lobato, acostumbrada a dejar la dignidad en una esquina por unos cuantos pesos.
Como decía, la nueva víctima de la Gestapo de la Normalidad hizo su primera aparición televisiva para denunciar en Crónica TV el abuso policial que sufría. En minutos, la lista de aberraciones quedó en la nada cuando cedió a la tentación de demostrar sus dotes artísticos. Es interesante, cerrando esta opinión, transcribir partes de la exposición que hizo, antes de pasar a ser tratada como ya conocemos.
"La policía nos amenaza permanentemente. Yo sé que saliendo en televisión me pongo en riesgo, sepan todos que si a mí me llega a pasar algo fueron los policías de la comisaría 4ª de José León Suárez. En Márquez y Ruta 8 está lleno de travestis y las dejan trabajar, pero trabajan con arreglo. Les pagan cincuenta pesos a la policía. Y eso es un delito. El jefe de calle es tan atorrante que va de civil y se mueve en un auto particular, y seguro que es el comisario el que lo manda a cobrar los cincuenta pesos a cada chica que ahí está ejerciendo la prostitución. Trabajando en la calle nadie hace fortunas, a lo sumo llegás a ganar cien pesos por día, si los ganás. Imaginate: si hay cincuenta travestis, ¡la plata que se lleva la policía! El 11 de diciembre de 2008 fui amenazada de muerte. Me llamaban permanentemente, me insultaban por teléfono. Y el 27 de enero me llevaron presa. Yo ya les había dicho en diciembre que no les iba a pagar un peso, y cuando me llevaron detenida la policía me robó un reloj, me robó dinero, me rompieron el celular, me metieron en un calabozo todo sucio y me tuvieron encerrada ocho horas. Después me pasearon por El Palomar, esposada, como si fuera una delincuente, y les pedía que por favor me sacaran las esposas porque me dolían. Y se mataban de risa. Yo hice la denuncia en la fiscalía de San Martín, en la UFI 9 y en la UFI 10, y jamás me llamaron a declarar. Quiero que procesen a esos policías, que les hagan pagar lo que me robaron, porque no es justo lo que me hicieron pasar. Me hicieron pasar la peor noche de mi vida. Esto que me hicieron a mí se lo hacen a miles de travestis y se tiene que terminar con esto, porque estamos como en la época de los militares, cuando les pegaban y les robaban las pertenencias a los travestis. Aparte, ellos cobran sueldo para cuidar a la gente, no para estar molestando a los travestis. Nadie hace nada. Ni siquiera las travestis, porque tienen miedo. Si a vos la policía te mata y sos travesti, sos un NN. Y como sos travesti, la Justicia no investiga. Evidentemente hay un vínculo de corrupción entre policía, jueces y fiscales. Y eso lo demuestra que hasta el día de hoy no me hayan llamado para declarar, ni se haya investigado nada. (...)
Cuando trabajo en la calle soy sólo Zulma; si llego a ser famosa, me voy a llamar Zulma Lobato. Y sí... me gustaría que me den un trabajo decente porque yo ya estoy cansada. Prostituirse puede ser algo muy desagradable: te topás con gente drogada, sucia, borracha... Qué más quisiera yo que alguien me ofrezca un trabajo decente.”
Nada más que decir.

LA TRANQUILIDAD DE UN HOGAR SEGURO

Fui hace poco a pagar el gas a una de las oficinas de Gas Natural y encontré un folleto de publicidad que, después de generarme disgusto en cuanto a la imagen que ilustraba su página principal, me dio una idea para ilustrar lo que me sugirió.